Desde género para minorías hasta manifestación “incomprendida por lo avanzada para su época”, lo cierto es que nadie termina de aclararse muy bien, casi medio siglo después de su nacimiento, con el videoarte. Una tipología que para muchos es redundante y carente de la debida estética, y en la que, sin embargo, encontramos representantes tan cualitativos como Bill Viola o Antoni Muntadas, galardonados en 2009 con el Premi Catalunya y el Premio Velázquez, respectivamente. Y es que, entre premios, festivales y ferias de arte contemporáneo, parece ser que éste es el año en el que el público se acercará por fin a un arte que genera respeto entre más de uno.
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Continuamente buscamos medios que nos ayuden a ordenar el caos, a obtener una cierta sensación de control y racionalidad, necesarios para poder continuar existiendo en la “normalidad”. Quizá sea “¿por qué?” la primera y principal pregunta que toda persona se ha hecho alguna vez; algo a lo que no escapa ni siquiera el arte, si bien es una manifestación que muchos opinan que debe servir “para demostrar que es necesario que existan actividades que no sirvan para nada”, suscribiendo las famosas palabras de Ionesco. Una opción clara, de “reciente” concepción, que posee su réplica y se sitúa al extremo del hilo tendido por la gran cuestión: ¿es necesario el arte?
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Ante Sorolla las posturas que sobrevienen al espectador son enfrentadas, siempre: su imagen comercial y predominante posee un cierto regusto kitsch, de tiempos pasados y arte mal envejecido, que opaca la verdadera calidad de la obra del valenciano. La culpa de esta asociación no es de otra que de la selección, artística en este caso, que, lejos de obtener la supervivencia de la especie, en ocasiones puede contribuir a hundirla, al menos en términos de gusto público. Pero Sorolla es mucho más que sus niños, sus playas y sus señoras con muselinas y sombrillas; existe un Sorolla costumbrista, cercano a los clásicos de la talla de Ribera o Velázquez, claroscuro barroco aparte, que recoge la mejor tradición realista española para mezclarla con el vanguardismo de una corriente afrancesada, moderna y luminosa. Una revisión que sólo puede hacerse a partir del visionado de una mayor parte de su producción y a la que en estos momentos contribuye la exposición que el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) acoge sobre los paneles que el maestro realizó para la Hispanic Society of América (Nueva York).
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Technarte, la Conferencia Internacional sobre Arte y Tecnología que celebrará en el Palacio Euskalduna de Bilbao los días 23 y 24 de abril de 2009, cuenta con un Programa repleto de innovadoras disciplinas artísticas, como puede ser el Nanoarte, la Robótica-vida artificial o las posibilidades creativas del efecto fotovoltaico.
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Si existiera, “metalistero” sería una palabra que se adecuaría bastante bien a lo que Julio González fue como artista. Sin embargo, el lenguaje ha decido otorgarle la etiqueta de escultor, tan inexacta por amplia como peculiar y heterogéneo fue su trabajo. En la línea de un Calder, o de un Gargallo “al hilo”, Julio González combina dos conceptos muy habituales en la escultura del s.XX: el espacio y el ensamblaje. Y, a diferencia del proceso “tradicional” de generación de formas volumétricas tridimensionales en el espacio, la extracción (de la materia), este artista asimilará el nuevo modo de las vanguardias por medio de la técnica de la adición. Una influencia, adquirida en el París de las rupturas (como no podía ser de otro modo), que dejará asimismo un residuo picassiano en unas composiciones de corte surrealista, estilizadas y alámbricas, que cabalgan entre la figuración y lo abstracto.
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“La doctrina romántica de la Musa que inspira a los poetas fue la que profesaron los clásicos; la doctrina clásica del poema como una operación de la inteligencia fue enunciada por un romántico, Poe.” (J.L. Borges)
Jorge Luís Borges, voz preeminente de la literatura universal, en un habitual alarde de conocimiento, desenmascaró la imagen extendida del Poe romántico cuyos versos emanaban directamente de una realidad etérea que le susurraba al oído, mostrando el rostro metódico y racional de sus composiciones, minuciosamente elaboradas e ideadas al margen de arrebatos divinos, bajo precisión y rigor quirúrgicos. Es obvio que se trata de una cita universal, en este caso ejemplificada en la poética de E. A. Poe y, concretamente, en su ensayo Método de Composición -que formula el meticuloso proceso seguido para la confección del aclamado El cuervo-, y atañe a todas las disciplinas al enunciar un modo de entender el arte. A lo largo de la historia se han sucedido concepciones contrapuestas sobre la naturaleza del arte y el embeleso que suscita, discusiones acerca de las características que reúne una obra para tener la capacidad de raptar a quien la contempla. La noción clásica de arte en la Grecia arcaica remitía al concepto de aletheia o desvelamiento: el arte entendido como tekné, esto es, como una técnica derivada del mundo artesanal que procuraba imitar fielmente la realidad para descubrirla y exhibir la certeza escondida en ella. La mimesis era una mediación entre el hombre y el universo, un trampolín, construido por voluntad expresa de los dioses, en el que el hombre actuaba como mero escriba o copista, sin interferir en el cometido: un títere movido por la dirección de un misterio que imponía sus designios. El proceso de producción artística era un trámite que el escultor, insignificante, realizaba como cincel de una mano inasible que esculpía para revelarse. Homero y Hesíodo afirman en no pocas ocasiones que las musas, hijas de Zeus y Menemósine, dotan al artista de un conocimiento supranatural en el acto de creación, y Platón reafirma esta consideración al calificar el momento de la elaboración de la obra como locura, entendida como enajenación y éxtasis. La inspiración se veía pues, como el hálito divino, la expresión de una voluntad sin la interferencia del artista, que era visto como un operario.
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Una vez se pintó un cuadro muy peculiar. Una obra de una singularidad maléfica y con un poder enorme. El lienzo, afirma la leyenda en boca de Coleridge, atrapaba al incauto que lo contemplaba de una forma total. Su hechizo no consistía únicamente en embelesar la mente como hacen otras obras de intemporal belleza, sino que devoraba físicamente al espectador. Este cuadro fruto de la imaginación, de una mefistofélica imaginación, de un perturbado, fue destruido por su creador al poco tiempo de ser finalizado, condenando sólo a unos pocos inocentes. Por Rubén Giménez.
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Carsa Arte, el Certamen Nacional de Pintura y Arte Digital, busca artistas para su edición de 2009.
Si eres un artista, mayor de edad, español o extranjero con residencia en España, y quieres dar a conocer tu obra, Carsa Arte te ofrece la posibilidad de participar en la V edición del Certamen, que repartirá más de 10.000 euros en premios.
Los artistas podrán elegir entre dos modalidades –pintura y arte digital- pero siempre deberán ajustarse a la temática propuesta: “Arte y Tecnología”.
Puedes presentar o enviar tus obras a la oficina de CARSA de Getxo, Vizcaya (País Vasco, España), del 2 al 22 de marzo de 2009.
En la web oficial de Carsa Arte encontrarás toda la información que necesites: bases de participación, características de las obras, premios, dirección de envío, etc.
Asumámoslo señoras y señores, vivimos bajo la égida del conformismo y la falta de ímpetu. La vida práctica y facilona, apoyada por una ausencia patente de riesgos, se ha tornado imperio y las ruidosas mayorías rumian pacificas en sus aparentemente idílicos pastos. Tal estado de las cosas se ha ido gestando en las sociedades civilizadas que trascendieron la última época de revoluciones y frustrados deseos de cambio. El submundo del arte no es excepción, ni tampoco presenta graves diferencias con el devenir último de un mundo globalizado y banal.
Como se ha planteado en otros momentos, cuando se habla del arte como disciplina humana nos referimos a aquel aspecto de la cultura que muestra la apariencia de la relación entre la sociedad y el espíritu universal que la atraviesa. Es el arte pues una suerte de interficie entre el hombre y lo trascendente y todas las muestras sensibles que en ella se produce. Es por tanto, el arte, una entidad compleja y necesaria en un mundo donde la cultura es el gran patrimonio de la humanidad.
Del mismo modo que muchos viven sus vidas a medio vivir, sin tratar de exprimir todo el jugo que de la propia existencia se puede sacar, otros tantos realizan un arte en el que no arriesgan hasta lo más profundo de si mismos. Los artes a medias son solo la objetivación banal de una serie de técnicas. Es preciso que el arte, tantas veces abanderado de los cambios, vuelva a ser el espacio donde se ejecuta la danza del peligro y la vida veraz.
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Technarte, la única conferencia de Europa dedicada a la fusión entre arte y tecnología, busca ponentes para su próxima edición, que se celebrará en Bilbao los días 23 y 24 de abril de 2009.
Technarte está dirigida a expertos de Centros de Investigación Tecnológica y a profesionales del mundo del arte en todas sus modalidades: investigadores y desarrolladores de Centros de arte, profesionales de galerías y museos, Universidades, etc.
El objetivo de Technarte es mostrar cómo las innovaciones tecnológicas más punteras abren nuevas posibilidades a los artistas y, a su vez, cómo la sociedad tecnológica necesita la creatividad de los artistas para lograr importantes avances en el desarrollo de nuevos proyectos.
Si estás vinculado directamente al mundo del arte y la tecnología, ¡no desaproveches esta oportunidad! Tienes hasta el próximo 14 de noviembre para enviar tu ponencia a través de Internet [www.technarte.org] o por correo electrónico [technarte@technarte.org].
